• 11-09-2014
  • Reviews & Meinungen

DVD-Kritik: „Für immer Single?“

Frauenschwarm Zac Efron verlässt auch in seiner neuen Komödie "Für immer Single?" nicht ganz das gewohnte Terrain, doch als Macho bekam man den durch "High School Musical" bekannt gewordenen Strahlemann bislang er selten zu Gesicht. Schade, dass er diese neue Facette ausgerechnet in einer absolut durchschnittlichen Komödie unter Beweis stellen muss. Immerhin: Der Film profitiert davon. Und nicht nur von Efron, sondern auch von seinen anderen Darstellern. Woran der Streifen hingegen krankt, verrät IOFP. Als vor Monaten erste Bilder zu Tom Gormicans Debüt-Film „Für immer Single?“ im World Wide Web kursierten, sorgte eines von ihnen für ganz besonderen Wirbel: Darauf zu sehen ist ein sich in Liegestütz-Pose auf der Toilette befindender Zac Efron, der sein kleines Geschäft – weshalb auch immer – in dieser unbequemen Lage verrichtet. Schlussendlich ist dieser amüsante Gag Bestandteil einer recht konventionellen Komödie über das Suchen und Finden der Liebe. Geradeaus, direkt, vor allem aber ziemlich harmlos gewährt uns der bislang lediglich als Mit-Produzent des Comedy-Machwerks „Movie 43“ in Erscheinung getretene Tom Gormican einen Einblick hinter die verschlossenen Türen einer sympathischen Männer-WG – sozusagen die Hollywood-Antwort auf „Mann tut was Mann kann“. Doch wie schon zuletzt Marc Rothemund mit seiner Komödie bewies, ist ein solcher Stoff durch und durch von seinen Darstellern abhängig. Während „Mann tut was Mann kann“ hieran krankte, versteht es Gormican, seine vorhersehbare Handlung von einem stimmigen Ensemble vortragen zu lassen. Neben dem einstigen Teenie-Star Zac Efron („High School Musical 1-3“) geben sich unter anderem Michael B. Jordan ("Chronicle - Wozu bist du fähig?") und Miles Teller die Ehre, der sich nach seinen qualitativ fragwürdigen Auftritten in „21 & Over“ und „Project X“ endlich solider Kost zu widmen scheint. Zu blöd für die Liebe Nachdem für Mikey (Michael B. Jordan) unerwartet Schluss mit seiner Ehe ist, beschließen seine beiden besten Freunde, der draufgängerische Jason (Zac Efron) und der beziehungsscheue Daniel (Miles Teller), ihn auf andere Gedanken zu bringen. Der Plan ist so simpel wie einleuchtend: Statt Herzschmerz soll nun das Single-Dasein genossen werden. Männerfreundschaft und Partys sind ab sofort der Fokus in ihrem Leben, auf eine ernsthafte Beziehung wollen sie sich nach all den Enttäuschungen nicht mehr einlassen. Fortan nutzen sie die Freiheit der Ungebundenheit und klappern New Yorks Clubs und Bars auf der Suche nach One-Night-Stands ab. Doch bald schon lernt Jason die charmante Ellie (Imogen Poots) kennen und beginnt – ganz gegen seine Art - Gefühle für sie zu entwickeln. Als sich herausstellt, dass auch Daniel und Mikey sich in ihre Traumfrauen verguckt haben, stellt sich für die drei Freunde die Frage, wie es mit ihren jeweiligen Beziehungen weiter gehen soll, aber noch viel wichtiger: wie sie die heimliche Beziehung jeweils voreinander verstecken. Nicht nur deshalb kommt es dabei zu einer nicht enden wollenden Kette von peinlichen aber urkomischen Situationen. Bereits die Storyline kündigt an, dass hier von Überraschung oder Innovation keine Spur ist. Mehr noch: Gäbe es die Grundidee des Abschwörens auf das Beziehungsdasein nicht, böte „Für immer Single?“ allenfalls genug Stoff für eine Direct-to-DVD-Produktion. Doch dieser nette Kniff und die mutige Variation bekannter Komödien-Szenerien machen den Streifen immerhin zu einem kurzweiligen Vergnügen. So entpuppt sich nicht nur die eingangs erwähnte Pinkel-Szene als ein sich beiläufig entwickelnder Gag-Höhepunkt; auch das schon oft gesehene Faschingsparty-mit-Kostümball-verwechselt-Szenario wird in „Für immer Single?“ mit frischen Ideen angereichert. So erweist sich die zu Beginn vermutete Überraschungs-Armut alsbald als Vorurteil. In gewissen Momenten kann der Streifen besser unterhalten als man ihm zutraut. Auf den Spuren der Durchschnitts-RomCom Hierfür verantwortlich zeichnet allen voran das bisweilen improvisierte und dadurch natürlich-charmante Zusammenspiel der drei Protagonisten. Während sich Zac Efron ungewohnt in der Rolle des Machos wiederfindet, buhlen vor allem Michael B. Jordan als vom Liebeskummer geplagter Ehemann und der zurückhaltende Miles Teller um die Sympathien des Publikums. War Teller in der Vergangenheit gern in der Rolle des Draufgängers zu sehen, steht ihm die schüchterne Figur des Daniel doch wesentlich besser zu Gesicht. Imogen Potts („Drecksau“) als Ellie, das charismatische Love-Interest von Jason, ist ebenso draufgängerisch wie sanftmütig und gibt somit das vielschichtig gezeichnete Bild einer Rolle ab, die man auch wesentlich eindimensionaler – als direktes Gegenteil zum männlichen Part etwa – hätte zeichnen können. Eine Szene in welcher Ellie einen Abend in der Jungs-WG verbringt, ist von einem anarchischen Humor gezeichnet und triumphiert durch eine ungezwungene, absolut realistische Atmosphäre, wie man sie sonst eher in guten Sitcoms antrifft. Ein Beweis dafür, dass „Für immer Single?“ vor allem in den Momenten unterhält, in welchen sich nicht stur auf die totgelaufenen Erfolgsmechanismen gängiger Romcoms verlassen wird. Leider sind diese Hochphasen nur vereinzelt innerhalb des Skripts – ebenfalls von Tom Cormican verfasst – anzutreffen. Die dynamisch-schwungvollen Gag-Szenerien werden immer wieder von der eigentlichen Story ausgebremst, weshalb „Für immer Single?“ nie die Gelegenheit bekommt, sich einen fortlaufenden Rhythmus anzueignen. So versprühen die gelungenen Story-Elemente den Charme von Sketchen. Das ist schade, da der eigentliche Aufhänger der Story zudem eher sträflich vernachlässigt wird. Das Publikum ist über den Eid der drei Freunde zwar im Bilde, über einen wirklichen Grund bleibt es jedoch im Unklaren. Gerade deshalb, weil besagter Eid keinerlei Auswirkungen auf die Story hat. Die Jungs daten, wer ihnen gefällt – ohne auch nur ansatzweise einmal über ebenjenes Versprechen nachzudenken. So wird der Aufhänger von „Für immer Single?“ schnell zur Farce; mehr als ein Alibi-Handlungsstrang ist er nicht. Inszenatorisch ist „Für immer Single“ auch bei näherem Hinsehen kein Highlight. Kameramann Brandon Trost („Crank 2“) verpasst dem Film den typisch geleckten Hollywoodlook und verwässert die Geschichte zusätzlich mit den immer gleichen Großstadt-Aufnahmen aus der Vogelperspektive. Originell ist das nicht; dient dies doch einzig und allein dazu, auch den Kosmopolit unter den Kinobesuchern zufriedenzustellen. Komponist David Torn kreiert einen unauffälligen Score, verzichtet dafür dankenswerterweise auf die Verwendung schnulziger Pop-Balladen und verlässt sich nebenher wenig auf Melodramatik. Fazit „Für immer Single?“ ist in seinen Hochphasen besser als die typische Durchschnitts-Romcom. Auch die Darsteller überzeugen. Doch das unausgegorene Skript, die unauffällige Inszenierung und manch eine Entwicklung, die der Zuschauer Meilen gegen den Wind riecht, trüben das Seherlebnis.

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  • 09-09-2014
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TV-Trash 2014: „Catch the Millionaire“ geht in die zweite Runde

Nachdem Millionär Dennis in der ersten Staffel "Catch the Millionaire" bereits die "große Liebe" gesucht hat, spielt nun Berufssohn Paul den Hampelmann in der Arena der öffentlichen Demütigungen. Vergangenen Donnerstag ging die große Menschenverachtung "Catch the Millionaire" in die zweite Runde und Hamburger Paul ist mittendrin. An seiner Seite sind die Pseudomillionäre Marcel und Peter, um diese drei Primaten schlawinern 18 erschreckend schlichte Damen. Scheinentrüstet kann der Privatsender-Rezipient künftig wieder die Stirn kraus legen, wenn Frauen reichen Männern nachjagen und die Männer unverschämterweise ja doch nur das Eine wollen. Jedes ähnliche Format zeigt immer wieder, dass erstaunlich viele Menschen bereit sind, sich für die Öffentlichkeit zu prostituieren und noch viel mehr Menschen wollen dabei zusehen. Aber wer kann sich schon davon freisprechen belustigt und erleichtert zu sein, wenn man merkt, dass man selbst noch nicht ganz unten in der gesellschaftlichen Ordnung angekommen ist. Zudem demonstriert ein schmieriger millionenschwerer Junge hervorragend, dass Großverdiener einen keineswegs in Ehrfurcht erstarren lassen müssen. Nun zieht eben jenes Bürschchen los und sucht natürlich nach der Frau fürs Leben. Seit einigen Jahren ist schon bekannt, dass diese sich gerne hinter Silikon, Gelnägeln und Extensions versteckt, wo auch sonst. Millionär Paul weist aber ja auch darauf hin, dass eine Frau das schönste Schmuckstück des Mannes sei. Selbstverständlich muss solch ein Schmuckstück aber eine reine und liebliche Seele beheimaten, die nur darauf wartet, ihren Mann hingebungsvoll zu lieben. Seine und die Absichten seiner Companions sind selbstverständlich absolut ehrenhaft, umso verwerflicher ist es, dass sich unter den "Ladies" sogenannte "Gold Digger" befinden könnten. Herzzerreißend welchen betrügerischen, gierigen Frauen solch ein reicher Junggeselle doch ausgesetzt ist. Dabei ist der Handel doch seit ewigen Jahrhunderten ganz einfach: jugendliche Schönheit gegen die Moneten. Mann kann halt nicht alles haben. 18 Frauen traten an, um mit öffentlicher Hilfe endlich den richtigen Partner zu finden. Dabei sucht natürlich jede den, der sie zum Lachen bringt, sie achtet und romantisch ist. Das ist doch mal etwas ganz Neues! Vier der Superleuchten verließen in der ersten Folge bereits die Sendung und natürlich flossen Tränen, warum auch immer. Mittlerweile dürfte man sich daran gewöhnt haben, dass sämtliche Gestalten im Fernsehen ihrer Sprache nicht mehr mächtig sind. "Catch the Millionaire" reiht sich damit in die Riege anderer Formate ein. Der Millionär sorgt sich, dass Anastasia stark auf Paul "reflektiert". Was auch immer das bedeuten sollte. Doch so lange man sich nur genug als Mann von Welt präsentiert, dürften solche Kleinigkeiten keinen stören. Fremdscham überkommt einen besonders bei dem Gequatsche der 18 Mäuschen, zum Verzweifeln! Aber man kennt das ja: solche Formate sind eben wie ein Unfall, zu schrecklich zum Wegsehen. Vier Fräulein sind leider schon nicht mehr dabei, doch auf 14 dürfen wir uns am kommenden Donnerstag noch freuen. Vor uns liegen einige Wochen, in denen wir mit den drei äußerst symphatischen Junggesellen hoffen können, dass sie ihre Traumfrauen finden. Nur um es noch einmal im ProSieben-Jargon zu sagen. Also, Donnerstag um 20:15 uhr auf ProSieben. Kann man gucken oder auch nicht. Was haltet Ihr von den neuen "Millionären"?  

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  • 08-09-2014
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Serientipp: „The Killing – Staffel 1“

Zum DVD-Start der ersten Staffel von "The Killing" wirft IOFP einen Blick auf die US-Serienadaption des skandinavischen Erfolgsformats "Kommissarin Lund". Eine Staffel - Ein Mord Der US-Sender AMC ist in den letzten Jahren vor allem durch zwei Formate aufgefallen: "Breaking Bad" entwickelte sich sukzessive zur weltweit beliebtesten TV-Serie und "The Walking Dead" erfand das Zombie-Genre neu. Nun kommt mit "The Killing" das nächste Prestige-Projekt von AMC daher und erzählt ähnlich des derzeit rund um den Globus gehypten "True Detective" von einem Mordfall, der auf mehreren Erzählebenen aufgeklärt wird. von den Ermittlungen im Mordfall an einer Teenagerin, über die Versuche ihrer Familie, das Verbrechen zu verarbeiten, bis hin zu den Auswirkungen der Tat auf den Bürgermeisterwahlkampf entwickelt "The Killing" sukzessive eine atemberaubende Spannung, die der des skandinavischen Vorbilds "Kommissarin Lund" in Nichts nachsteht. Wer trotz des großen Erfolgs (sechs Nominierungen für den Primetime-Emmy, eine Golden-Globe-Nominierung) der Serie immer noch nicht weiß, worum es geht, hier eine kurze Zusammenfassung: Der brutale Mord an der jungen Schülerin Rosie Larsen bestürzt ganz Seattle. Nicht nur die leitende Mordkommission ist mit der Lage überfordert, auch der Wahlkampf um das Bürgermeisteramt gerät ins Stocken. Als Detective Sarah Linden (Mireille Enos) dem Verbrechen auf die Spur kommt, eröffnet sich ihr ein Geflecht aus Lügen und Intrigen, das sie bis in höchste politische Kreise führt. Fazit In 11 Folgen auf insgesamt vier DVDs bietet die erste Staffel von "The Killing" emotional fordernde, anspruchsvolle Thrillerkost auf höchstem Niveau, die dem Original locker das Wasser reichen kann. Dank der durchweg düsteren Atmosphäre gelingt es dem Format, die typisch nordische Tristesse einzufangen und überzeugt zudem auf Seiten der Darsteller.

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  • 08-09-2014
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Zwei Horror-Tipps für’s Heimkino

Obwohl es bis Halloween noch knapp zwei Monate hin ist, möchte IOFP Euch an dieser Stelle schon einmal zwei interessante Grusel-Geheimtipps vorstellen, die ab dieser Woche für's Heimkino erhältlich sind. "5 Senses of Fear" und "Dead Souls" sorgen für garantierte Gänsehaut! Fünf Sinne der Angst! Wer kennt sie nicht, die "Gänsehaut"-Story, die uns in frühester Kindheit bereits das Fürchten lehrten? Wer hat nicht geschlottert, wenn das Skelett aus "Die Geschichten aus der Gruft" aus seinem Sarg empor kroch, um uns von Spuk, Mord und Übernatürlichem zu berichten? Ganz nach dem Vorbild dieser beiden beliebten Episoden-Serien kommt nun "5 Senses of Fear" daher. Die von mehreren Amateurfilmern inszenierte Kurzfilmsammlung erzählt fünf Geschichten, die sich jeweils mit einem anderen Sinnesorgan befassen. In "Smell" - zu deutsch: "Riechen" - kommt ein klassischer Looser mit einem Wunderparfum in Kontakt; mit unvorhersehbaren Konsequenzen. "See" - zu Deutsch: "sehen" - erzählt von einem Augenarzt, der durch die Augenflüssigkeit seiner Patienten in deren Seele blicken kann. In "Touch" - zu Deutsch: "berühren" - muss es ein blinder Junge mit einem Killer aufnehmen. "Taste" - zu Deutsch: "schmecken" - handelt von einem Bewerbungsgespräch der absurden Art und die stärkste Episode "Listen" - zu Deutsch: "hören" - berichtet von einem mörderischen Musikstück. Trotz weitestgehend unbekannter Regisseure und einem sichtbar geringen Budget kommt die Spannung in "5 Senses of Fear" nicht zu kurz. Mit viel Liebe zum Detail und einem bemerkenswert hohen Splatter-Gehalt liefert der mit seinen knapp 90 Minuten knackig kurze Horrorstreifen einen ersten Vorgeschmack zu den Kurzfilmsammlungen "V/H/S Viral" und "ABCs of Death 2", die von Horrorfans heiß ersehnt werden und bereits im Oktober in den USA erscheinen. Unser Tipp: In geselliger Runde zu Halloween anschauen! Tote Seelen Johnny ist gerade 18 geworden, als ihn ein Brief von der Erbschaft einer Farm unterrichtet. Gegen den Widerstand seiner Mutter reist Johnny aufs Land und beschließt, um sich das Haus mal anzusehen. Dabei stellt sich heraus, dass Johnny adoptiert wurde, nachdem 18 Jahre zuvor sein leiblicher Vater in besagtem Haus die gesamte Familie mit Ausnahme von Klein-Johnny abschlachtete. Tatsächlich führt Johnnys Ankunft zu erheblichen Spukaktivitäten, und auch die Dorfbevölkerung zeigt sich alles andere als erfreut über seine Rückkehr. Haunted-House-Horror trifft auf Hinterwäldler-Spuk und mittendrin wird das Publikum mit einer rührenden Familiengeschichte konfrontiert. Obgleich auch "Dead Souls" nicht mit Blut geizt, steht in diesem Streifen, anders als in "5 Senses of Fear" der Suspense und das Drama im Mittelpunkt. Dank überzeugender Schauspielleistungen und einem beachtlich authentischen Setting sorgt "Dead Souls" für bodenständige Spannung der Marke "Friedhof der Kuscheltiere".   Fazit Der bodenständige Suspense-Grusler "Dead Souls" und der abgedrehter Splatterspaß "5 Senses of Fear" ergänzen sich in ihrer Machart perfekt und machen Halloween dieses Jahr unheimlicher denn je! Beide Filme sind ab dem 12. September auf DVD und Blu-ray Disc erhältlich!

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  • 08-09-2014
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Filmkritik: „Katakomben“

Der Trend zum verwackelten Found-Footage-Film reißt nicht ab. Doch wenn einer wissen müsste, wie es funktioniert, ist es John Erick Dowdle, der mit "Katakomben" jetzt beweist, dass er nach seinem Schocker "Quarantäne" nichts verlernt hat. IOFP hat seinen neusten Ausflug ins Horrorgenre kritisch beäugt und ist wahrlich angetan. Nicht noch ein Found-Footage-Film Würde man dem Wackelkamera-Klassiker "Blair Witch Project" aus dem Jahre 1999 Böses wollen, so könnte man dem Small-Budget-Projekt der damals debütierenden Regisseure Daniel Myrick und Eduardo Sánchez vorwerfen, für einen der wohl umstrittensten Horror-Trends der vergangenen Jahrzehnte verantwortlich zu sein. Die einst nur 25.000 US-Dollar teure Produktion avancierte über Nacht zum Kulthit und versetzte Kinobesucher rund um den Globus in Angst und Schrecken. Auch einer zu der Zeit nie dagewesenen PR-Kampagne, die Stein und Bein auf die Echtheit des angeblich gefundenen Videomaterials schwor, ist es zu verdanken, dass das Genre seit Anbeginn des neuen Jahrtausends dem Found-Footage-Film gehört. Ebenjener Inszenierungen, die auf vermeintlich unverfälscht echtes Bildmaterial setzen und ihren Schrecken so aus den angeblich realistischen Ereignissen ziehen. Aus diesem Trend gingen unter anderem mehrere "Rec"-Filme, die "Paranormal Activity"-Reihe inklusive eines Ablegers und diverse Exkurse an schaurige Orte hervor. Eine allgemeingültige Anerkennung konnte sich der Found-Footage-Trend derweil nie erarbeiten. Obgleich das Subgenre mit Neil Bloomkamps "District 9" gar eine Oscar-Nominierung vorweisen kann, bemängeln die Gegner des vorgetäuschten Amateurfilms die Strategie hinter dem Filmemachen: Die niedrigen Produktionskosten lassen die Studios, in Anbetracht der leicht zu verführenden Zielgruppe, gern einmal Projekte durchwinken, die es mit ernstem Storytelling, geschweige denn Horror nicht mehr so genau nehmen. Als umso erfreulicher erweisen sich da all jene Produktionen, die nicht des Trends wegen im Found-Footage-Stil gedreht wurden. John Erick Dowdle nimmt nach "Quarantäne" ein weiteres Mal die Wackelkamera zur Hand und nutzt diese nicht nur in einem visuell sinnvollen, sondern sogar erzählerisch notwendigen Kontext. Sein Klaustrophobie-Schocker "Katakomben" entpuppt sich somit als einer der besten Filme seines Genres und rückt dem "Blair Witch Project" – der "Mutter allen Übels" – gar gefährlich nah auf den Pelz. Scarlet Marlowe (Perdita Weeks) ist eine erfolgreiche Archäologin und hat sich ganz auf die Entdeckung und Dechiffrierung geheimnisvoller Symbole spezialisiert. Als sie von einem unentdeckten Gang in den Katakomben von Paris hört, ist ihr Interesse geweckt. Mit einigen Freunden begibt sich Scarlet in ein unterirdisches Labyrinth aus Knochen und Felsen. Zu Beginn schlägt der Gruppe nur die Enge und Dunkelheit aufs Gemüt, doch nach und nach kommen den Entdeckern Zweifel an ihrer Mission. Immer tiefer dringen sie in ein unerforschtes Gebiet vor, das ein Geheimnis birgt, das nie hätte gelüftet werden dürfen und die Freunde mit ihren inneren Dämonen konfrontiert. Klaustrophobie für Fortgeschrittene Mit der Wahl einer Found-Footage-Inszenierung hat sich John Erick Dowdle im Falle von "Katakomben" einen großen Gefallen getan. Nicht nur, dass es der Handkamera in ihrer unverfälschten Weise auf das Vortrefflichste gelingt, die beklemmende Enge in den Katakomben einzufangen, auch auf der Erzählebene macht es durchaus Sinn, dass Archäologen ihre Forschungen heutzutage selbst via Cam festhalten. So umgeht "Katakomben" von Anfang an das im Genre häufig auftretende Glaubwürdigkeitsproblem und kommt entsprechend bodenständig daher. Auch die Einführung sämtlicher Charaktere nimmt für Found-Footage-Verhältnisse erstaunlich viel Platz ein. So vergeht über eine halbe Stunde, eh es die Nachwuchsforscher endlich ins unterirdische Paris verschlägt. Das Skript, verfasst vom Regisseur John Erick sowie seinem Bruder Drew Dowdle (beide schrieben unter anderem auch die Drehbücher zu "Quarantäne" sowie "Devil – Fahrstuhl zur Hölle"), erzählt schnörkellos von den Ereignissen, bettet immer wieder geschickt Hintergrundinformationen zu den Protagonisten ein und sorgt so dafür, dass die Figuren ein ordentliches Profil enthalten, ohne dass sich der Film allzu lange an der genauen Charakterisierung aufhalten muss. Für das Publikum ergibt sich rasch ein Zugehörigkeitsgefühl; wenn der wahre Horror erst einmal losgeht, bekommt es auch der Zuschauer mit der Angst zu tun. Dass "Katakomben" mehr ist als ähnlich gelagerte Abenteuerschocker der Marke "The Descent" fördert alsbald die Story zutage. Regisseur Dowdle lässt nicht etwa ein haariges Monster als Antagonisten auf die liebgewonnenen Charaktere los, sondern konfrontiert die Figuren mit ihren eigenen Kellerleichen. Elemente wie ein Klavier, ein Telefon oder ein brennendes Auto werden zu Symbolen nicht überwundener Ängste, die zwischen den Knochenbergen der französischen Unterwelt auf ihre Urheber warten. Womit es Scarlet, ihre Kollegen und letztendlich der Zuschauer hier eigentlich zu tun bekommt, umreißen die Macher nur vage. Dennoch lässt das Skript einige Schlüsse zu, die dem Publikum das Blut in den Adern gefrieren lassen. Wenn die charmante Newcomerin Perdita Weeks ("The Invisible Woman"), die optisch glatt als Anne-Hathaway-Double durchgehen könnte, anhand eines Schriftzuges Parallelen zum sagenumwobenen Hölleneingang feststellt, ist dieser Ansatz ebenso einleuchtend wie die Berufung auf die zum Originaltitel "As Above So Below" passende Hermetik-Maxime, die besagt, dass alles, was oben ist, auch unten passiert. Somit fehlt "Katakomben" zwar ein greifbarer Antagonist, gewinnt dafür aber an philosphischem Beigeschmack und schlägt all jenen Kritikern ein Schnippchen, die das Horrorgenre selbst gern als "dumm" abstempeln. Gerade hierdurch zeigt sich auch die Gesamtqualität der Produktion: Lange Zeit zeigte sich kein Horrorfilm mehr so ambitioniert erzählt und mitreißend. Die durchgehend herausragenden, da über alle Maße authentischen Schauspielleistungen runden diesen beachtlichen Gesamteindruck ab und unterstreichen einmal mehr die Tatsache,  dass auch augenscheinlich wenig innovative Genre-Beiträge unter der richtigen Hand ganz großes, zum Teil äußerst emotionales Qualitätskino sein können. John Erick Dowdle scheut keine Kosten und Mühen, um seinem Publikum den ultimativen Kick zu bescheren. Dass die Katakomben im Film keine Kulissen sind, sondern ebenjenes Schädellabyrinth unterhalb der französischen Hauptstadt, verleiht "Katakomben" zusätzliches Flair. Obgleich sich der Streifen als weitaus intensiver entpuppt, wenn sich das Publikum auch mit dem Backround der Story befasst, kann der Horrorfilm ebenso oberflächlich unterhalten. In Gänze auf Musik verzichtend ist es vorrangig die Arbeit des französischen Kameramannes Léo Hinstin ("L’amour fou"), die hier glaubwürdig die Ängste der Protagonisten einfängt und immer wieder für punktgenau platzierte, visuelle Schocks sorgt. Obsessive Gewalt sucht man in "Katakomben" derweil vergebens. Dowdle überlässt die Brutalitäten der Vorstellungskraft des Zuschauers und schafft es somit, eine permanente Anspannung aufrechtzuerhalten, die sich erst mit Einsetzen des Abspannes entlädt. Die Prämisse erweist sich dabei als derart unvorhersehbar, dass der Ausgang bis zum Finale vollends offen bleibt – ein Ritterschlag für einen Horrorfilm des 21. Jahrhunderts. Fazit Mit seinem neusten Projekt ist John Erick Dowdle ein Found-Footage-Schocker der Extraklasse gelungen. "Katakomben" treibt nicht nur den Puls des Zuschauers in die Höhe, sondern hat obendrein eine Story zu bieten, die überrascht, bewegt und so geheimnisvoll ist, dass man am liebsten selbst einmal die Unterwelt Frankreichs erkunden möchte. Wenn man sich das nach dem Genuss von "Katakomben" denn noch traut, versteht sich…

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  • 02-09-2014
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Serientipp: „True Detective“

Zwei Ermittler auf den Spuren der menschlichen Abgründe: Die HBO-Serie "True Detective" entdeckt mit ihrer lethargischen Erzählweise die Langsamkeit neu und gipfelt in einem wahren Feuerwerk an Originalität.Warum die Serie schon jetzt zu den besten aller Zeiten zählt, erklärt Euch IOFP passend zum Verkaufsstart der ersten Staffel am 4. September. Touch Darkness and Darkness Touches you Back! Schon das Opening von "True Detective" ist eine Kunst für sich: Eine Minute und dreißig Sekunden dauert ein kunstvoll zelebrierter Vorspann, dessen Silhouetten und Figuren direkt aus David Lynchs "Twin Peaks" stammen könnten. Wie ein Sog saugen diese Credits das Publikum auf und die Bilder hüllen uns ein. In Sicherheit wiegen, wie es manch andere US-Crime-Formate zu Beginn ihrer Laufzeit tun, fällt in "True Detective" flach. Hier regieren Chaos, Wahnsinn und Tod. Und mittendrin: Matthew McConaughey ("Dallas Buyers Club") und Woody Harrelson ("7 Psychos"). Eine Kombination, die etwas unterstreicht, was schon viel zu viele längst wissen: Der Film ist tot, es lebe die Serie! Doch "True Detective" ist keine Serie. Es ist eine Marke. Ein Phänomen. Es ist seriell erzähltes Nischenkino, das immer wieder verdächtig in Richtung Awards und Hollywood Hills schielt, sich jedoch verdächtig vehement vor Konventionen verschließt. Einen Stoff wie "True Detective" kann man nicht mehr auf der großen Leinwand erzählen. Dafür kaufen sich die Leute heutzutage lieber Serienboxen ihrer Lieblingsformate, die ihre großen Filmkollegen in Substanz und Anspruch längst überdauert haben. So auch diese Geschichte hier... Cohle und Hart, zwei Detektive, arbeiten gemeinsam an einem Mordfall im Jahr 1995. Das Opfer, gefunden in der sumpfigen Steppe Louisianas, wurde ritualisiert hingerichtet: Nackt und in Gebetshaltung auf den Füßen kniend, auf dem Kopf eine Art Krone mit Tiergeweih, auf dem Rücken ein Spiralsymbol eintätowiert. Neben dem Opfer – es ist eine junge Prostituierte namens Dora Lange – stehen kleine Zweigengitter, die wie altmodische Vogelfallen aussehen. Symbole, die den beiden Detektiven Rust Cohle und Martin Hart bei der Aufklärung noch helfen sollen – denn so viel steht schon zu Beginn fest: Irgendwann schnappen sie den vermeintlichen Mörder.  Zwei Zeitebenen - Zwei Detective - Zwei Seiten In Rückblenden erzählen die beiden ikonischen Antihelden in jeder Folge von den Ereignissen, welche die Ermittlungen im besagten Mordfall begleitet haben. Dies geschieht auf zwei Zeitebenen: 1995 geschah der Mord, doch wenn die Detectives von diesem Jahr erzählen, befinden sich beide schon längst im Jahre 2012. Ganze 15 Jahre liegen zwischen damals und heute. Ein Umstand, der einerseits seine Tücken hat, andererseits nie geahntes Potenzial mit sich bringt, um den Zuschauer immer wieder zu verwirren und zum Mitdenken aufzufordern. Hier erkennen wir sie: die menschlichen Silhouetten aus dem Intro, die etwas zu verbergen haben – ein zweites Gesicht, eine dunkle Seite. Der Zuschauer ist sofort in den Bann gezogen. Er fragt sich nicht: Wer ist der Täter und warum geschieht ein solcher Ritualmord wieder, obwohl doch der Täter vor siebzehn Jahren geschnappt wurde? Sondern er fragt sich: Wer sind diese beiden Detektive, was hat sich damals zwischen den beiden gegensätzlichen Charakteren abgespielt? Was steckt hinter den figuralen Fassaden des gefestigten Hart und des gebrochenen Cohle? Warum hat sich das junge Detektivteam nach der Aufklärung des Falls schon bald wieder getrennt? Kennen sich Cohle und Hart selbst, wissen sie um ihre charakterlichen Abgründe?  Nach und nach entfaltet sich in der Pilotfolge von "True Detective" die Geschichte immer weiter, je länger die Interviewsitzungen dauern, je länger die Detektive erzählen. Der Zuschauer glaubt Muster zu erkennen, Charakterzüge, die die eigenen Fragen beantworten. Und kann doch in die Irre geführt werden. Warum Cohle trinkt, wird man sich zu Beginn fragen: Hat ihn der damalige Fall gebrochen? Nein, erkennt man langsam in den Rückblenden: Schon 1995 hat Cohle ein Alkoholproblem. Als sein neuer Kollege Hart ihn zum Abendessen einlädt, kreuzt Cohle volltrunken auf: Es ist der Geburtstag seiner verstorbenen Tochter; er versucht die Sehnsucht nach ihr mit Alkohol herunterzuspülen. Hart bittet ihn trotzdem herein, Cohle versucht sich bei dem Abendessen zusammenzureißen. Man erkennt den Schmerz, den der Mann empfindet, wenn er in die Augen von Harts Töchtern blickt.  Beide Schauspieler geben das kontemplative Tempo vor, das "True Detective" seinen diffusen Reiz verleiht. Hier kann es eine halbe Minute dauern, bis die Zigarette angezündet ist und der Monolog beginnt. Hier kann eine Autofahrt im Streifenwagen schweigend vonstattengehen. Harrelson und McConaughey kosten jede Sekunde aus, auch wenn sie vermeintlich nichts tun. Nach acht Folgen wird ihre Zeit vorbei sein, denn HBO hat "True Detective" als Anthologieserie ähnlich "American Horror Story" angelegt: Innerhalb einer Staffel ist der Fall aufgeklärt, eventuelle neue Folgen werden neue Schauspieler, neue Charaktere, neue Morde bekommen. Auch dies macht das Format so gut: Der Zuschauer weiß, dass er nur für kurze Zeit in dieses Charakterdrama eintauchen wird – und kann sich umso mehr auf das extrem langsame Tempo einlassen, kann die Geschichte intensiver erleben. Die Darsteller wiederum können ihre Rolle komprimiert anlegen.  Fazit Ikonisch und genial: HBOs "True Detective" verwebt höchsten Anspruch auf Hollywood-Niveau mit Suspense à la "Twin Peaks". Getragen von seinen beiden furiosen Hauptdarstellern Matthew McConaughey und Woody Harrelson serviert Cary Fukunaga seinem Publikum schwer verdauliche Kost in kleinen Portionen, deren Suchtfaktor sich - versprochen! - niemand entziehen kann. Schon jetzt freuen wir uns auf die angekündigte zweite Staffel

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  • 02-09-2014
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Heimkino-Tipp: „Mandela – Der lange Weg zur Freiheit“

Mit "Mandela - Der lange Weg zur Freiheit" kreiert der Brite Justin Chadwick ein berührendes Portrait über die Person Nelson Mandela. Zum Heimkinostart am 5. September wirft IOFP einen Blick auf den Film und verrät, weshalb es an der Zeit ist, sich einmal intensiv mit dem 2014 verstorbenen Menschenrechtler zu beschäftigen. Nelson Mandela als Mensch Am Tage der Weltpremiere von "Mandela - Der lange Weg zur Freiheit" verstarb Nelson Mandela friedlich im Alter von 95 Jahren im Kreise der Familie. Der Friedensaktivist und ehemalige Politiker kann auf ein bewegtes Leben zurückblicken. 1993 erhielt er den Friedensnobelpreis, er wurde Zeuge der dramatischen Auswirkungen der Apardheitsgesetze in seinem Land und er verbrachte knapp drei Jahrzehnte hinter Gittern. Ein gewagtes Vorhaben seitens des Regisseurs Justin Chadwick, das Leben dieser Lichtgestalt in einem knapp zweieinhalb stündigen Spielfilms unterzubringen. Doch auch wenn das auf einer gleichnamigen Biographie basierende Biopic "Mandela - Der lange Weg zur Freiheit" nur einige wenige, dafür jedoch die wichtigsten Stationen aus Nelson Mandelas Leben beleuchtet, gelingt dem vornehmlich an Serien beteiligten Filmemacher ein kleines Kleinod, das ganz ohne Effekthascherei auskommt und das Wirken Mandelas hervorkehrt, ohne es gewollt überzubetonen. Hollywoodstar Idris Elba ("Prometheus - Dunkle Zeichen"), der in die Hauptrolle des Dramas schlüpft, legt seinen Charakter von der ersten Szene äußerst menschlich an und stellt Nelson Mandela als bodenständige Person mit menschlichen Bedürfnissen dar, von dessen Gesinnung sich nach und nach eine ganze Gesellschaft anstecken lässt. "Mandela - Der lange Weg zur Freiheit" sprüht nur so vor Enthusiasmus - auch dann noch, wenn in schwerster Stunde dafür eigentlich gar keine Zeit mehr ist. Noch während seiner 27-jährigen Haftstrafe auf der berüchtigten Gefängnisinsel Robben Island stieg Nelson Mandela zum charismatischen Führer der Anti-Apartheid-Bewegung auf und zum weltweiten Symbol für friedlichen Widerstand. "Mandela - Der lange Weg zur Freiheit" beschreibt die Entstehung einer modernen Ikone, die die Aufhebung der Rassentrennung und damit eine langersehnte politische Wende in Südafrika herbeiführte und ist gleichzeitig eine Liebeserklärung an einen Menschen, der durch seinen unermüdlichen Kampf für Freiheit, Gleichheit und Unabhängigkeit die ganze Welt verändert hat. Fazit Auch wenn man manchmal nicht umherkommt, "Mandela" einen gewissen Aufklärungscharakter zu unterstellen, stellt "Der lange Weg zur Freiheit" einen wundervoll überwältigenden Ausflug in ein Genre dar, das nur dann funktionieren kann, wenn es derart packend inszeniert ist, wie in diesem Fall. Auch wenn einem die Person Nelson Mandela bislang eher fern blieb, schaffen es Justin Chadwick und seine großartigen Darsteller, den Zuschauer mit auf eine spannende Reise zu nehmen, die sich in den nächsten Jahren noch zu einem echten Klassiker mausern wird.

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  • 02-09-2014
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Heimkino-Tipp: „Yves Saint Laurent“

Mit seinem rührenden Portrait "Yves Saint Laurent" erweist der französische Regisseur Jalil Lespert einem ganz Großen der Modebranche die Ehre und erzählt von dessen Leben, seinem Einfluss auf die Modewelt und eine außergewöhnliche Liebesgeschichte. Ob Lespert sich damit übernimmt, verrät IOFP. Ein Perfektionist und Traumtänzer Manche Projekte brauchen etwas länger, eh sie bei den Filmstudios auf Resonanz stoßen. So erging es auch dem Thema „Yves Saint Laurent-Biographie“, für das sich in der Vergangenheit gleich zwei Filmemacher einsetzten. Bertrand Bonellos "Saint Laurent" steht für Mitte dieses Jahres auf dem Programm, während Jalil Lespert sein Werk "Yves Saint Laurent" bereits in dieser Woche auf die deutschen Kinobesucher loslässt. In Frankreich bereits Anfang Januar gestartet, entwickelte sich die zwölf Millionen Euro teure Produktion zu einem überraschenden Erfolg. Mit knapp 24 Millionen spielte das sensible Charakterdrama um einen der bekanntesten Modeschöpfer der Welt das Doppelte seiner Produktionskosten wieder ein. Hinter dem aufwühlenden Portrait steht unter anderem der für Publikumserfolge bekannte Weinstein-Konzern, der den Film im Juli auch vereinzelt in US-amerikanische Kinos bringen wird. Ob dieses Experiment gelingt, steht zwar momentan noch in den Sternen: Doch während nicht nur die Mode des Christian-Dior-Nachfolgers zeitlos ist, ist es auch dieses  Leinwand-Portrait, das zu weiten Teilen auf einer Biographie des französischen Journalisten Laurence Benaïm basiert. Möchte man meinen, dass dies dazu führt, dass das Drama aufgrund persönlicher Belange überdramatisiert und die Geschichte des Weltkonzerns verwässert wird, entpuppt sich "Yves Saint Laurent" als zwar nüchtern inszenierte aber melancholisch-liebevoll erzählte Charakterstudie über einen Mann, für dessen Facetten es eigentlich mehr braucht, als ein knapp zweistündiges Biopic. Paris 1957. Der gerade einmal 21-jährige Yves Saint Laurent (Pierre Niney) ist einer der talentiertesten Nachwuchsdesigner Frankreichs und die rechte Hand des Modeschöpfers Christian Dior (Patrice Thibaud). Als dieser unerwartet stirbt, wird Yves künstlerischer Leiter einer der renommiertesten Modemarken der Welt. Seine erste Kollektion, von der Welt der Haute Couture mit großer Skepsis erwartet, wird für den jungen, genialen Modeschöpfer zu einem triumphalen Erfolg und macht ihn über Nacht weltberühmt. Während einer Modenschau trifft der schüchterne Yves Saint Laurent auf Pierre Bergé (Guillaume Gallienne), eine Begegnung, die sein Leben von Grund auf verändern wird. Die beiden werden Lebens- und Geschäftspartner und gründen keine drei Jahre später unter enormem Risiko ihr eigenes, legendäres Modelabel „Yves Saint Laurent“. Doch Yves Kreativität nimmt über die Jahre immer selbstzerstörerische Züge an, die sowohl seine Beziehung zu Pierre, der Liebe seines Lebens, als auch die Zukunft seines Unternehmens gefährden. Ein Mann - Eine Marke Mehr denn sämtliche anderen Genres ist vor allem das Biopic von der Tragweite seines Protagonisten sowie der Verkörperung desselben abhängig. So ist „Yves Saint Laurent“ offenkundig eine der einflussreichsten Nobelmarken der Welt; Den Kopf hinter all den stilweisenden Kollektionen kennen hingegen wohl nur Spezialisten auf dem Gebiet Haute-Couture. Augenscheinlich ist der Regisseur und Schauspieler Jalil Lespert ("Kein Sterbenswort") sich dessen bewusst und kreiert mit viel Gefühl und ohne allzu große Distanz zu seinen Figuren einen Filmkosmos, der sich schnell auch einem weniger fachkundigen Publikum erschließt. Lesperts Umgang mit den ganz Größen im Modebusiness erweist sich zwar häufig als beiläufig und wenig tiefsinnig (Die Figur Karl Lagerfeld erhält beispielsweise ein kurzes Stelldichein, für eine originalgetreue Verkörperung durch Nikolai Kinski fehlt jedoch sowohl dem Regisseur als auch dem Darsteller das notwendige Fingerspitzengefühl), sein Hauptaugenmerk gilt dafür seinem Schützling Yves sowie dessen Lebenspartner Pierre. Die Lebens- und Liebesgeschichte des Paares ist von einer beeindruckenden Intimität, wofür zu weiten Teilen die formidablen Leistungen beider Schauspieler verantwortlich sind. Geschickt verwebt Jalil Lespert ebenjene Lebensgeschichte der titelgebenden Hauptfigur mit der Historie des Konzerns. Anders als zuletzt "Inside Wikileaks" oder der US-amerikanische Kinohit "jOBS" erweist sich "Yves Saint Laurent" in dieser Hinsicht als ausgeglichen. War weder bei "Inside Wikileaks" noch bei der von Ashton Kutcher getragenen Steve-Jobs-Geschichte eindeutig ersichtlich, ob Unternehmensstudie oder Charakteranalyse im Mittelpunkt stehen, gelingt es dem Regisseur hier, seine Hauptfigur in den Fokus zu rücken und die Entwicklung ebenjener mit der Weiterentwicklung des gleichnamigen Konzerns zu verknüpfen. So erweist sich auch die Titelgebung des Filmes als intelligent: „Yves Saint Laurent“ bezeichnet die Marke und den Menschen dahinter zugleich. Wenig Bombast, viel Dramatik An der Verkörperung dieses Menschen ist allen voran  Pierre Niney ("Die anonymen Romantiker") beteiligt. Mit seinem zurückhaltenden, fast schon schüchternen Spiel verleiht er seinem Yves solch eine Authentizität, dass man bisweilen den Eindruck gewinnen könnte, Yves Saint Laurent höchstpersönlich hätte für sein Portrait Modell gestanden. Zaghaft und grazil bewegt sich Niney durch die Kulissen seines Ateliers, des Appartements oder durch die große weite Welt, als würde er all dies zum ersten Mal entdecken. Gleiches gilt für Guillaume Gallienne ("Asterix & Obelix - Im Auftrag Ihrer Majestät"), dessen Charakter zum Teil als Gegenstück zu Saint Laurent funktioniert, insgesamt jedoch wesentlich komplexer anmutet und mit seinem Liebhaber schließlich ein stimmiges Ganze bildet. Nimmt man den beiden in der Anfangsphase noch das hoffnungslos-romantische Verliebtsein ab, gehen einem die Streits und Auseinandersetzungen umso näher. Selten sah man zuletzt solch eine Innigkeit zwischen einem Landwandpaar, das mit seiner Präsenz und einer enormen Würde sämtliche Nebendarsteller blass aussehen lässt. Unerwartet blass erscheint teilweise auch die Inszenierung, für deren Gelingen unter Anderem der Schweizer Kameramann Thomas Hardmeier ("22 Bullets") zuständig ist. Mit seinen nahezu kühlen Aufnahmen unterstreicht Hardmeier nicht wie erwartet die Opulenz der Mode, um die sich alles dreht. "Yves Saint Laurent" wird nicht etwa zum „französischen 'Gatsby'“, sondern gewinnt ihre Anziehungskraft aus der Faszination für die Hauptfigur. Die schnörkellosen Bilder helfen dem Film, nicht vom Wesentlichen abzulenken. Während "Yves Saint Laurent" aus Storysicht einen äußerst melancholischen Ton anschlägt, verzichtet der Film darauf, ebenjenes hervorzuheben. Auch der Score kommt ohne epochale Orchesterklänge aus und dient allenfalls als unauffällige Soundkulisse. So unauffällig wie die technische Gestaltung präsentiert sich auch das Drehbuch. Für die ruhig erzählte Geschichte, passend unterlegt von einem Off-Kommentar Pierre Bergés, der die Ereignisse zeitlich und thematisch einordnet, gab bereits der Autor der Biographie nicht viel auf Leichenfledderei und Skandale. Nahezu dokumentarisch verfolgt der Zuschauer das Leben einer faszinierenden Persönlichkeit, die auch ohne aufbauschende Mittel genug Protagonisten-Potenzial besitzt. Für die Konsumenten üblicher Hollywood-Kost mag die ausgedehnte Laufzeit von knapp zwei Stunden unter diesem Gesichtspunkt befremdlich wirken; Liebhaber des bodenständigen Arthouse-Kinos bekommen dafür ein sensibles Drama serviert, das auf Effekthascherei verzichtet und sich ganz und gar seinen Figuren widmet. Fazit "Yves Saint Laurent" erzählt auf einfühlsame Weise vom Leben und Schaffen des gleichnamigen Modeschöpfers. Dabei erfindet Regisseur Jalil Lespert zwar das inszenatorische Rad nicht neu, durch das Vertrauen in seine Figuren gerät sein Einblick hinter die Kulissen des Modezirkus jedoch umso intimer.

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  • 01-09-2014
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Filmkritik: „Hercules“

Schon einmal suchte in diesem Jahr eine moderne Adaption der weltbekannten Hercules-Saga die Kinoleinwände heim. Nachdem Kellan Lutz mit seiner Interpretation kläglich scheiterte, versuchen sich nun Brett Ratner und Dwayne Johnson an dem schwierigen Unterfangen, das Publikum zufriedenzustellen. Wie sich ihr 3D-Abenteuer "Hercules" schlägt,verrät IOFP. Die Sage um den Halbgott Es ist schon eine ganze Weile her, dass Muskelmann Dwayne Johnson unter seinem Wrestler-Alias „The Rock“ in der Öffentlichkeit auftrat. Seit 2002 konzentriert sich der Schauspieler vornehmlich auf seine Filmkarriere, trat jedoch immer noch sporadisch in den Ring, um sich Anfang 2013 in Gänze aus dem Sport zurückzuziehen. Diese Tatsache spiegelt auch Johnsons Rollenauswahl wieder: War dieser lange Zeit bevorzugt in wenig tiefgründigen Actionrollen zu sehen – man erinnere sich nur an sein Stelldichein in der „Fast & Furious“- oder „G.I. Joe“-Reihe – bewies er in seinen letzten Projekten „Snitch“ und „Pain & Gain“ nicht nur sein komödiantisches Talent, sondern auch, dass der Sprung vom belächelten Blockbusterhelden zum Charaktermimen kurz bevor steht. Dass sich Johnson trotzdem nicht ganz vom Bombastkino loslösen kann, bekommt das Publikum ab September im dreidimensionalen Actionspektakel „Hercules“ zu sehen. Abgesehen von den äußeren Gegebenheiten, die Dwayne Johnson zu einem für die Rolle prädestinierten Halbgott machen, ist es gerade seine persönliche Vorliebe für den legendären Heroen, die sich zu jeder Zeit in seiner Verkörperung der griechischen Sagenfigur wiederfindet. Vor allem deshalb ist Brett Ratners „Hercules“-Neuinterpretation ein kurzweiliges Vergnügen, das anders als die Anfang des Jahres an den Kinokassen gescheiterte Kellan-Lutz-Variante weitaus weniger auf Blockbuster getrimmt ist, als man es der Produktion zunächst zutrauen möchte. Der legendäre Hercules (Dwayne Johnson) führt seine kampferprobten Söldner und die Armee von König Cotys (John Hurt) in die Schlacht um Thrakien. Ihr Ziel: ihn als rechtmäßigen Throninhaber wieder an die Macht bringen. Doch Hercules - halb Mensch, halb Gott - ahnt nicht, dass Cotys ein doppeltes Spiel mit ihm treibt. So steht sein größter Kampf, der alles von ihm fordern und seine sagenumwobenen Fähigkeiten auf die Probe stellen wird, unmittelbar bevor. Aber nicht umsonst eilt Hercules und seinen eingeschworenen Gefährten ein ehrfürchtiger und übermächtiger Ruf voraus… "300" lässt grüßen! Es ist ein beeindruckender Kniff, den sich Brett Ratner („Aushilfsgangster“) zunutze macht, um seinen Protagonisten nicht als übermächtigen Alleskönner, sondern menschlichen Krieger mit individuellen Schwächen einzuführen. Wenn Hercules – verkörpert von einem bestens aufgelegten und mehr denn je muskelbepackten Dwayne Johnson – seinen ersten, großen Auftritt als Piratenkiller erhält, seine Feinde allerdings nicht allein, sondern mit einer ganzen Bande von im Verborgenen bleibenden Handlangern massakriert, geben die Verantwortlichen damit nicht bloß den humoristischen Ton vor, sondern haben zugleich den Mut, ihren allmächtigen Protagonisten zu demaskieren. Damit lassen die Drehbuchautoren Ryan Condol und Evan Spiliotopoulos („Arielle, die Meerjungfrau – Wie alles begann“), deren Skript auf einem äußerst brutalen Comic basiert, eine differenzierte Betrachtungsweise des Helden zu und sorgen so dafür, dass das Publikum nicht nur im Anbetracht von Effektspektakel und beeindruckender Kampfsequenzen ins Staunen gerät, sondern auch die menschlichen Zwischentöne registriert. Zwar bleibt „Hercules“ auch in der hier dargebotenen Form überdeutlich ein auf Unterhaltungswert getrimmtes Projekt, doch die dramatischen Fallhöhen können sich für derlei gelagerte Produktionen durchaus sehen lassen; Auch deshalb, weil man davon absieht, auf einen so beliebt gewordenen Comedy-Sidekick oder anderweitigen Stichwortgeber zurückzugreifen. Anders als diverse moderne Blockbuster des neuen Jahrtausends wie etwa die des Marvel-Universums, die „Bourne“-Reihe oder auch die neueren „James Bond“-Filme, verlässt sich Brett Ratner in seinem neuen Projekt nicht auf hollywoodtauglichen Hochglanz, sondern kommt in einem dreckig-modernen Look daher, wie man ihn zuletzt in den „300“-Filmen gesehen hat. Eine Schlacht mit Ureinwohnern lässt visuell gar Erinnerungen an das italienische Horrorkino wach werden. Dass die Macher auch mit Blut nicht geizen, obgleich dem Regisseur von Seiten der Produktionsfirma ein Limit in der Verwendung gesetzt wurde, beraubt „Hercules“ alsbald den Status als generationenübergreifender Unterhaltungsfilm. Eine FSK-Freigabe ab 12 dürfte sich der Streifen zwar gerade noch erkämpfen, dennoch präsentiert Ratner hier überdeutlich Erwachsenenunterhaltung. Ohne die vom Studio auferlegten Grenzen könnte sich „Hercules“ vermutlich noch mehr Freunde machen, doch diesen kleinen Schönheitsfehler wissen die Verantwortlichen gekonnt auszugleichen – unter anderem mit einem brillanten 3D, das trotz seiner nachträglichen Konvertierung nicht nur gestochen scharf daherkommt, sondern besonders in den Pop-Outs derart realistisch ist, dass man in Anbetracht diverser Speere, die einem im Laufe der gut eineinhalbstündigen Laufzeit immer wieder entgegenfliegen, gen Ende hin regelrecht außer Puste ist. Erstaunlich wenig Blockbuster Im Vordergrund von „Hercules“ stehen genreangemessen die beeindruckend in Szene gesetzten Schlachten. Während sich im historisch angehauchten Blockbusterkino mittlerweile viele Sequenzen in Choreographie, Ausführung und Kameraarbeit ähneln und sich mit der Zeit eine massentaugliche Inszenierung im „Herr der Ringe“-Stil bewährt hat, schlägt Brett Ratner neue Töne an. Kameramann Dante Spinotti („Die Chroniken von Narnia – Die Reise auf der Morgenröte“) behält jederzeit die Übersicht, liefert hier und da Einblicke aus der Vogelperspektive und legt das Hauptaugenmerk auf die Vielfalt unterschiedlicher Kampfstrategien. Damit hebt „Hercules“ gekonnt verschiedene Techniken hervor und lässt das Publikum direkt an den Kriegsplanungen teilhaben. Der Zuschauer behält den Überblick über das Geschehen, die Action reißt mit und es ergibt sich nach und nach ein Gefühl über Erfolg und Misserfolg im Schlachtengetümmel. Längen hat „Hercules“ dadurch so gut wie keine und auch Kritikern des immer eintöniger werdenden Actionkinos dürfte an dieser Stelle der Wind aus den Segeln genommen werden. Neben Dwayne Johnson ziehen vor allem diverse Hollywood-Schönheiten die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich. Beautys wie Rebecca Ferguson („The White Queen“), die Norwegerin Ingrid Bolsø Berdal („Hänsel und Gretel: Hexenjäger“) oder das „Sports Illustrated“-Model Irina Shayk lassen sich jedoch auf ihr Dasein als schmuckes Beiwerk beschränken. Für die Handlung relevant ist ihr Handeln in den seltensten Fällen. Das ist schade, da Brett Ratner seinem Film somit ein wenig den eigentlich so lohnenswerten „Anti-Blockbuster-Stil“ raubt. Auch musikalisch präsentiert sich „Hercules“ mittelmäßiger als das Gesamtprodukt schlussendlich ist; mehr als ein durchschnittlicher Bombastscore ist Fernando Velázquez („Mama“) nicht gelungen. Dafür überzeugen John Hurt („Snowpiercer“) als manischer Bösewicht und „American Horror Story“-Star Joseph Fiennes in der Rolle des mächtigen Königs Eurystheus. Auch dem ausgeglichenen Skript, das zwischen den körperlichen Auseinandersetzungen und der gelungenen Bezugnahme auf diverse griechische Mythen immer wieder Platz für menschlichen Interaktion lässt, ist es zu verdanken, dass es den Darstellern möglich ist, sich zu profilieren. Darüber hinaus setzt auffälliges, aber gelungenes CGI, das überdimensionale Löwen, Zentauren und dreiköpfige Hunde zum Leben erweckt, stimmige Akzente. Fazit Mit „Hercules“ ist der Ratner-Johnson-Kooperation ein bildgewaltiger Actionspaß gelungen, der mit Respekt vor der Vorlage eine zeitgemäße Variante des griechischen Helden kreiert und vor imposanter Kulisse toll choreographierte Schlachten zum Besten gibt, die weitaus dreckiger daherkommen, als man es vom modernen Hollywoodblockbuster gewöhnt ist.

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  • 01-09-2014
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Filmkritik: „Erlöse uns von dem Bösen“

Nicht noch ein Exorzismusfilm? Weit gefehlt! Wie schon in seinem "Der Exorzismus von Emily Rose" variiert Regisseur Scott Derrickson auch in seinem neusten Werk "Erlöse uns von dem Bösen" das dämonische Subgenre und kleidet es in einen knallharten Copthriller. Damit werden nicht nur Erinnerungen an das Neunzigerjahre-Suspense-Kino wach, sondern das neue Jahrtausend ist um einen beachtlichen Horrorbeitrag reicher. Mehr zum Film verrät Euch IOFP. Exorzismus trifft Cop-Thriller Regisseur Scott Derrickson ist ein Meister des kreativen Arrangements abgestandener Horrorfilm-Klischees. Der zumeist auch als Drehbuchautor seiner Streifen fungierende Filmemacher bewies mit seinem übernatürlichen Justizdrama „Der Exorzismus von Emily Rose“, dass das Subgenre des Exorzismus-Films auch nach William Friedkins immerwährendem Klassiker noch nicht tot ist und sein letzter Streich, die 2012 von den Kritikern hervorragend aufgenommene Dämonen-Story „Sinister“, funktionierte derart radikal nach gängigen Genre-Mechanismen, dass Derricksons Zuhilfenahme von Story und Darstellerleistungen eines der packendsten Filmerlebnisse des Jahres kreierte. In dem angeblich auf wahren Ereignissen beruhenden Horrorthriller „Erlöse uns von dem Bösen“ kombiniert der Regisseur nun einen vermeintlich konventionellen Cop-Thriller mit kompromisslosen Schockeffekten und wird somit zum Inszenator eines klassischen Schauerstücks, das trotz seines modernen Gewands an das Suspense-Kino der Neunzigerjahre erinnert. Ohne sich dabei direkt an großen Vorbildern wie „Das Schweigen der Lämmer“ oder „Sieben“ zu orientieren, gerät „Erlöse uns von dem Bösen“ in seiner Tiefgründigkeit derart intensiv, dass man sich vor ein paar Jahren durchaus hätte vorstellen können, den Streifen in Oscar-Kategorien wie „Bestes Drehbuch“ oder „Bester Hauptdarsteller“ wiederzufinden. So stellt der Film wohl „lediglich“ eine der besten Horrorgeschichten des Jahres und zeigt auf, dass das Genre – trotz wiederkehrender Prophezeiung – noch lange nicht dem Untergang geweiht ist. Der Alltag des New Yorker Polizisten und Familienvaters Ralph Sarchie (Eric Bana) gerät jäh aus den Fugen, als es im Big Apple zu einer Reihe mysteriöser Verbrechen kommt. Gemeinsam mit seinem Partner Butler (Joel McHale) begibt sich Ralph auf die Spur vermeintlich religiös motivierter Morde, die ihren Ursprung einst im Irakkrieg fanden und sich nun in New York ausbreiten. Dabei stößt der Detective nicht nur an seine körperlichen und physischen Grenzen, sondern trifft alsbald auf den Exorzisten und Priester Mendoza (Édgar Ramírez), der behauptet, all diese Ereignisse seien nicht etwa irdischen, sondern dämonischen Ursprungs. Ralph, mittlerweile selbst an Visionen leidend, bleibt nichts anderes übrig, als sich notgedrungen mit Mendoza zusammenzutun und dem Bösen mithilfe von Weihwasser und Kruzifix gegenüberzutreten. Das Neunzigerjahre-Genrekino lässt grüßen Wer glaubte, ein Exorzismusfilm funktioniere die meiste Zeit bloß über hektisches Geschrei, überbordende Effektgewitter und viel, viel Blut, den belehrte im vergangenen Jahr bereits James Wans „Conjuring - Die Heimsuchung“ eines Besseren, der sich des Themas mit dem nötigen Fingerspitzengefühl annahm und der eigentlichen Teufelsaustreibung gerade einmal wenige Minuten der Gesamtlaufzeit widmete. Auch „Erlöse uns von dem Bösen“ hat trotz des verstärkt dämonisch geprägten Marketings wesentlich mehr zu bieten als einen halbgaren Schocker und präsentiert sich vor allem in der ersten Hälfte als düsterer Thriller, der sich erst spät in übersinnliche Gefilde begibt. Im Mittelpunkt steht Hollywoodstar Eric Bana („Lone Survivor“) in der Rolle des NYPD-Officers Ralph. Nicht nur, dass dem Mimen die Figur des grobmotorischen Cops schon visuell äußerst gut zu Gesicht steht, auch der Charakter erhält mithilfe genauer Dialoge und gezielter Einblicke in sein Privatleben ein markantes Profil. Bana verleiht seiner Rolle eine enorme Tiefe und sorgt so dafür, dass dem Publikum der Verbleib des Hauptcharakters ab Filmbeginn am Herzen liegt. An seiner Seite agiert „Community“-Schönling Joel McHale, der sich abseits seiner bislang vornehmlich innehabenden Schönwetter-Rollen erst einmal beweisen muss und dessen bemüht ruppiges Auftreten zunächst etwas befremdlich wirkt. Doch auch ihm gelingt durch glaubwürdiges Spiel das Formen einer interessanten Figur, die leider weniger von starken Dialogen profitieren kann als Bana. Édgar Ramírez („The Counselor“) verleiht seiner Rolle des Priesters Mendoza eine beachtliche Würde und erscheint entgegen vieler seiner Genrekollegen weder abgehoben, noch bemüht bedrohlich. Gerade dieser Faktor verhilft „Erlöse uns von dem Bösen“ zur für den Film so wichtigen Glaubwürdigkeit, die im Exorzismus-Genre normalerweise eher weniger im Vordergrund steht. Sowohl den Haupt-, als auch den durchweg ordentlich aufgelegten Nebendarstellern wird die Ehre zuteil, ein beeindruckendes Skript mit Leben zu füllen. Wie schon in seinen Vorwerken zeichnet auch hier Scott Derrickson himself für das Drehbuch verantwortlich, das auf den Aufzeichnungen eines New Yorker Polizisten basiert. Obgleich sich (wieder einmal) die Frage stellt, wie viel PR und wie viel Wahrheit tatsächlich in dieser Aussage steckt, setzt „Erlöse uns von dem Bösen“ wenig auf horrorfilmtypische Effekthascherei, sondern konzentriert sich auf ein ausgewogenes Storytelling, was einmal mehr zur Bodenständigkeit der Story beiträgt. Bereits die ersten zwanzig Minuten, die sich vor der nächtlichen Kulisse eines Zoos in der Bronx abspielen, sind beachtlich einnehmend und profitieren von dem ungewöhnlichen Setting. Erzählt wird von vermeintlich ganz normalen Ermittlungen in einem obskuren Fall von Kindsmord. Erst nach und nach werden unerklärliche Ereignisse zutage gefördert, denen sich die Cops Sarchie und Butler mit einer Mischung aus „Akte X“-Euphorie und zurückhaltender Furcht annehmen. Dabei verlässt sich Derrickson vor allem in der ersten Filmhälfte noch ein wenig zu oft auf abgestandene Genre-Klischees: Wenn gleich in mehreren Szenen kein Monster, sondern ein harmloses Tier für unheimliche Geräusche zuständig ist, gerät die Szenerie zuvor zwar unheimlich, der Schock erweist sich dafür als umso billiger. Das alles beraubt „Erlöse uns von dem Bösen“ dennoch nie um Atmosphäre. Kameramann Scott Kevan („Underworld: Awakening“) kleidet den Film in bedrohliche, manchmal etwas zu dunkle Bilder und Christopher Youngs Gänsehaut provozierende Disharmonien lassen Erinnerungen an „Sinister“ wach werden. Dabei steht dem Horrorthriller die Blockbuster-Herkunft aus der Produktionsschmiede von Jerry Bruckheimer ("Lone Ranger") nicht immer gut zu Gesicht; ein wenig kleiner und dreckiger hätte der Streifen gern daherkommen dürfen. Mit der Zeit findet „Erlöse uns von dem Bösen“ immer mehr zu seiner Form und wird mit fortschreitender Dauer sukzessive um unerklärliche Ereignisse reicher, die sich jedoch nicht in Gänze von weltlichen Tatsachen weg bewegen. Verärgerten diverse Auflösungen moderner Horrorfilme in der Vergangenheit aufgrund hanebüchener Theorien und finaler Erklärungen, bleibt „Erlöse uns von dem Bösen“ weitestgehend realitätsnah und fesselt damit umso mehr, als sich vornehmlich auf Jump-Scares verlassende Genrekollegen. Einige Logiklöcher, die bisweilen das realistische Handeln der Figuren infrage stellen, zum Trotz, besitzt der Streifen eine plausible Dramaturgie, die in ein krachendes Finale mündet, das in seiner Konsequenz überzeugt und trotz eines harschen Tonfallwechsels im Vergleich zur Resthandlung nicht abgehoben wirkt. Ebenjener Schlussakt erweist sich gar als großes Highlight; besticht er doch aufgrund von tollen Effekten (einschließlich Effekt-Make-Up) und triumphal aufspielenden Darstellern. So steigert sich „Erlöse uns von dem Bösen“ bis zur aller letzten Minute und sorgt somit nicht nur für durchgehende Unterhaltung, sondern entlässt das Publikum zudem mit einem Knall aus dem Kinosaal. Fazit Auch wenn sich Scott Derrickson seinen Film an manchen Stellen ein Stück weit selbst kaputt macht, indem er abgestandenen Klischees nicht zur Genüge variiert, unterstreicht der Filmemacher mit „Erlöse uns von dem Bösen“ einmal mehr sein Image als begnadeter Horror-Regisseur. Vor beachtlicher Atmosphäre und mit tollen Darstellern bestückt, erzählt der Film eine ebenso abwechslungsreiche wie spannende Geschichte, die nicht ganz an den Überraschungseffekt von „Sinister“ heranreicht, dafür den Charme der Neunziger-Thriller wieder aufleben lässt und Lust darauf macht, die Filme dieser zeitlosen Dekade noch einmal Revue passieren zu lassen.

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